post

Bagaimana Upaya Prince untuk Mendapatkan Kendali Artistik Penuh Mengubah Industri Musik Selamanya

Kematian Prince menandai berakhirnya karier musik brilian salah satu artis musik pop eklektik paling berbakat. Seorang virtuoso pada berbagai instrumen musik, aransemen dan produser musik, dan pemain sandiwara terkemuka. Musik Prince sangat beragam dan serbaguna seperti pakaiannya yang rumit.

Tapi itu adalah pencariannya atas kebebasan artistik sepenuhnya dan perlindungan hukum atas kebebasan itu. Yang akan menjadi bagian penting dari warisannya. Beberapa konfrontasinya yang terkenal dengan perusahaan rekaman, layanan streaming. Dan pengguna media sosial menginspirasi artis lain untuk menuntut kebebasan artistik dan mendapatkan bagian keuntungan yang adil.

Kedatangan Manusia Ajaib

Pada tahun 1978, ketika dia berusia 19 tahun. Prince menandatangani kontrak dengan Warner Bros dan merilis album debutnya, “For You.” Prince dipercaya untuk memainkan setiap instrumen. Dan menyanyikan semua vokal di album. Yang bekebalikan dengan album rekaman selama awal booming megastar itu, hal inilah yang akhirnya akan menentukan musik tahun 1980-an.

Album pada periode ini biasanya bergantung kepada produser, aransemen, komposer, dan musisi. Album Michael Jackson “Off the Wall” (1979), misalnya, menyebut hampir 40 musisi sesi dan lebih dari 15 komposer dan aransemen. Meskipun tidak sukses besar, “For You” memperlihatkan kejeniusan Prince yang sedang berkembang. Dan keinginannya untuk membuat kendali atas semua elemen karyanya, memungkinkannya untuk tetap setia pada visi artistiknya.

“For You” adalah yang pertama dalam barisan panjang album studio yang diproduksi Prince dengan Warner Bros. Setelah merilis dua upaya pengembangan album lainnya, ia merilis “1999” (1983) dan “Purple Rain” (1984). Yang membentuk pemain sandiwara sebagai salah satu artis pop paling unik, beragam dan dominan di tahun 1980-an.

Belenggu Kontrak

Namun, pada awal 1990-an, hubungan antara Prince dan Warner Bros. mulai dingin. Setelah kesuksesan “Diamonds and Pearls” (1991), Prince menandatangani kontrak enam album, US $100 juta dengan perusahaan rekaman.

Namun rincian kontrak menyebabkan perselisihan hukum dan hak cipta yang berkepanjangan terkait kepemilikan seluruh karya Prince. Di bawah kontrak, Warner Bros. menerima kepemilikan atas hard copy karya Prince yang dia produksi untuk perusahaan tersebut. Sementara itu, Prince tiba-tiba menerima pemasukan uang untuk terus mengerjakan proyek rekaman di studio Paisley Park Records di Minnesota.

Saat Prince semakin frustrasi karena telah menyerahkan hak atas musiknya. Artis tersebut mulai memberontak dengan tampil di depan umum dengan tulisan “Budak” di pipinya. Dia juga mengubah namanya menjadi simbol, yang terjadi setelah seniman tersebut menyatakan bahwa bekas artistiknya telah mati.

Untuk memenuhi permintaan rekaman dari kontrak yang menyatakan bahwa Prince perlu memproduksi album baru dengan nama Warner Bros. Dia memilih untuk merilis musik yang telah direkam sebelumnya ke Warner Bros. Rilisan terakhirnya dari periode ini adalah, “Chaos and Disorder” (1996). Merupakan campuran dari lagu-lagu yang ditulisnya dengan tergesa-gesa yang berfungsi sebagai teguran keras untuk Warner Bros. Sambil artis tersebut memenuhi kewajibannya kepada Warner Bros.

Berjuang untuk Bagiannya

Mengingat perselisihan berkepanjangan Prince dengan Warner Bros., kerusakan mungkin tampak tak dapat diperbaiki. Namun, kedua belah pihak memperbarui hubungan kerja mereka pada tahun 2014. Sebuah langkah yang memulihkan kepemilikan Prince atas rilisan Warner Bros. sebelumnya.

Prince menghabiskan dekade terakhir hidupnya melawan kancah lain dari industri musik untuk memastikan bahwa karyanya dilindungi. Pada 2007, Prince dan Universal Music menggugat seorang ibu setelah dia memposting video putranya menari dengan lagu Prince di YouTube.

Kemudian, pada tahun 2014, artis tersebut mengajukan gugatan terhadap 20 orang yang dia klaim melanggar perlindungan hak ciptanya. Dengan memposting lagu-lagunya secara online atau dengan berpartisipasi dalam layanan berbagi file yang memposting musiknya. Keluhan tersebut meminta ganti rugi $1 juta dari setiap orang.

Tuntutan hukum Prince lebih ditujukan untuk menarik perhatian pada masalah pelanggaran hak cipta. Daripada merusak keuangan ibu dan anak yang berbagi file di Internet. Setelah mereka yang dituduh melanggar hak cipta dalam kasus itu menghentikan aktivitas mereka, Prince mencabut kasus tersebut.

Penuntutan

Baru-baru ini, Prince, bersama dengan artis lain seperti Taylor Swift, mulai menuntut penjual online. Dan layanan streaming membayar royalti yang lebih baik kepada artis yang musiknya mereka putar. Pada 2015, Prince menarik musiknya dari sebagian besar vendor online, memilih untuk berurusan secara eksklusif dengan layanan Jay Z, TIDAL.

Perjuangan Prince untuk melindungi suara kreatifnya telah bergema ke pelosok dunia musik. Pengaransemen paduan suara yang biasanya membayar biaya lisensi untuk mengakses hak yang kemudian mereka atur untuk grup paduan suara mereka. Akhirnya dilarang menggunakan musik artis sebagai materi mereka.

Warisan Prince sebagai musisi yang brilian dan luar biasa unik akan bertahan di hampir 30 album studio yang dia produksi.

Tetapi artis juga harus dikenang karena karyanya sebagai pendorong untuk melindungi properti kreatif musisi dan musiknya. Sepanjang kariernya, kesediaan Prince untuk terlibat dalam perebutan kepemilikan atas hak kreatif memainkan peran utama dalam gelombang ketidakpuasan. Yang berkembang terhadap industri musik, yang sekarang dipimpin oleh Jay Z, David Byrne, dan Neil Young, antara lain.

Sama seperti “For You” yang menampilkan seorang artis dalam kendali penuh atas medianya. Perjuangan Prince untuk mempertahankan kendali atas musiknya sepanjang kariernya akan memastikan. Bahwa warisan yang dia tinggalkan berada dalam suara yang tepat seperti yang diinginkannya.

post

Ekonomi di Balik Perilisan Album Selama Masa Pandemi

Pada tanggal 23 Maret, band pop-rock Amerika HAIM mengumumkan bahwa mereka menunda perilisan album studio ketiganya, Women in Music Pt. III. Band itu menyebut pandemi COVID-19 sebagai alasan penundaan. Lady Gaga membuat pengumuman serupa pada hari berikutnya, mengganti perilisan album studio keenamnya ke tanggal yang belum ditentukan.

Penundaan itu membuat beberapa orang heran, terutama pada saat kenyamanan sangat dibutuhkan. Dalam kolomnya untuk NME, jurnalis musik Mark Beaumont berpendapat bahwa musisi memiliki keunggulan. Dalam menawarkan menghabiskan waktu yang dapat membantu meningkatkan semangat seseorang. Mereka harus memainkan peran sebagai penghibur, teman dan layanan darurat lini belakang pada saat krisis pribadi. Menunda perilisan musik baru akan menjadi pengkhianatan terhadap peran mereka sebagai entertainer terlebih dahulu.

Bergantung pada Ekonomi

Argumen Beaumont solid tapi skalanya cukup sempit. Memang musisi harus menjadi penghibur dulu, tetapi mereka tetap manusia yang aktivitasnya bergantung pada insentif ekonomi.

Pendapatan dari penjualan album dulunya merupakan pendapatan ekonomi utama bagi musisi. Tetapi waktu telah berubah karena mereka hampir tidak berkontribusi pada pendapatan. Dalam bukunya Rockonomics tahun 2019, mendiang profesor Alan B. Krueger menemukan bahwa musik rekaman hanya menyumbang 15 persen dari pendapatan musisi. Sebagian besar pendapatan mereka saat ini berasal dari tur, dengan proporsi rata-rata 80 persen. Angka-angka ini dihasilkan dari peralihan ke rilis digital melalui layanan streaming, karena mereka telah banyak memotong royalti dari penjualan album. Konser sekarang dipandang sebagai pusat keuntungan strategis, sementara rekaman digital menjadi kurang insentif.

Meski musisi masih didorong oleh penjualan album, keputusan mereka untuk menunda perilisan lebih mengikuti strategi yang diterapkan oleh Taylor Swift. Penyanyi-penulis lagu pemenang Grammy menunda album studio keenamnya Reputation dari layanan streaming selama minggu pertama peluncurannya pada tahun 2017. Logika ekonominya secara implisit melibatkan segmentasi pasar untuk memainkan harga. Penggemar akhirnya berkeinginan lebih tinggi untuk membeli album yang menjadikannya tidak sabar. Dan akan membeli albumnya jika tidak tersedia di platform yang lebih mudah dijangkaunya. Hasilnya, album tersebut terjual lebih dari 1,2 juta kopi di minggu pertama. Mengalahkan Ed Sheeran’s Divide untuk penjualan album terbanyak tahun itu.

Penundaan Perilisan

Hasil yang menjanjikan dari strategi Swift mungkin beresonansi dengan beberapa musisi dan mendorong motif ekonomi mereka untuk menunda rilis album. Upaya memperlambat pandemi COVID-19 telah memaksa konsumen kasual untuk tinggal di rumah dan lebih memperhitungkan pengeluarannya. Bisnis yang tidak penting ditutup, dengan hampir 250 toko musik tutup di Amerika Serikat. Beberapa menawarkan penjualan online sebagai alternatif, tetapi dengan barang penting sebagai prioritas tertinggi. Waktu pengiriman mungkin berkurang untuk barang yang tidak penting. Hal ini dapat membuat konsumen enggan membeli rekaman fisik.

Dalam periode perlambatan ekonomi ini, musisi dihadapkan pada dilema harus memilih antara insentif ekonomi atau insentif moral. Jika mereka memilih yang pertama, mereka harus menghadapi risiko reaksi publik. Penggemar mungkin melihat mereka hanya  “untuk mendapatkan uang”. Namun, jika mereka memilih yang terakhir, mereka harus mengorbankan pendapatan penjualan yang menjanjikan demi kebaikan mendistribusikan kepuasan.

Beberapa musisi memilih untuk menukar insentif ekonomi dengan insentif moral. Dua Lipa merilis album studio keduanya, Future Nostalgia, pada 27 Maret. Dalam wawancara dengan BBC, dia menjelaskan bahwa lebih baik melanjutkan rilis daripada khawatir tentang strategi yang “sempurna”. “Saya ingin memberi orang beberapa kebahagiaan selama ini. Di mana mereka tidak perlu memikirkan apa yang terjadi dan hanya diam dan menari.”

The Strokes memiliki sikap yang sama ketika merilis album studio keenam mereka. Dalam wawancara dengan Los Angeles Times, pentolan Julian Casablancas menyebutkan bahwa pandemi tampaknya bukan alasan yang tepat untuk menundanya. Dia mengakui bahwa band akan kehilangan kesempatan untuk berpromosi, tetapi itu adalah pertukaran yang telah diambil oleh anggota band. Keputusan untuk merilisnya jelas terbayar karena The New Abnormal berada di urutan album nomor 1 di Inggris Raya.

Perilisan Bertahap

Untuk musisi yang lebih menghindari risiko, pertukaran insentif mungkin terlalu banyak untuk ditangani. Mereka dapat menghindari stres tersebut dengan merilis 30-40 persen katalog album mereka sebagai alternatif. Meluncurkannya secara bertahap sebagai single akan membantu memperpanjang antisipasi rilis akhirnya. Hal ini akan menghasilkan penjualan album yang lebih baik, terutama setelah kemudahan lockdown bagi penggemar untuk berbelanja di dalam toko. Penjualan tiket juga dapat meningkat karena album biasanya diperlakukan sebagai kesempatan untuk mempromosikan konser dan tur.

HAIM menggunakan pendekatan alternatif dalam single terbarunya, “The Steps”, yang dirilis pada 30 Maret. Telah diputar 3,6 juta kali di Spotify. Jumlah ini setara dengan pendapatan kotor sebesar US $6.000 hingga $9.000 dalam bentuk royalti.

Pada akhirnya, keputusan untuk merilis album bergantung pada cara musisi memandang insentif. Mereka adalah individu dengan preferensi berbeda, dan kurangnya tindakan yang didorong oleh insentif moral tidak membuat mereka kurang manusiawi. Taylor Swift, misalnya, lebih suka musik dilihat sebagai seni yang berharga terlebih dahulu. “Musik adalah seni, dan seni itu penting dan langka. Penting, hal langka itu berharga. Hal-hal yang berharga harus dibayar,” kata Swift dalam artikel opini untuk Wall Street Journal.

Selama musisi memposisikan diri sebagai pembela seni, setiap keputusan yang mereka buat harus sah. Bagaimanapun, setiap kegiatan bergantung pada prinsip ekonomi.

post

K-Pop: Apakah Sebenarnya Buruk, atau Anda Hanya Berprasangka?

K-Pop baru-baru ini meledak selama beberapa tahun terakhir. Dengan grup-grup seperti BTS, BLACKPINK, dan NCT mengumumkan perjalan dunia dan menjual tiket dalam hitungan menit. VMA bahkan menambahkan kategori K-Pop Terbaik dalam upaya untuk menarik penggemar K-Pop. Namun, para fans membencinya karena melakukan hal itu dan beberapa bahkan menuduh VMA melakukan rasisme. Seiring dengan popularitas yang dimiliki grup-grup ini, juga muncul kebencian. Apa yang disebut “antis” dibawa ke Twitter dan posting kebencian yang tampaknya tidak menerima atau alasan lainnya. Banyak yang berkomentar tentang betapa “feminim” penampilan grup pria tersebut. Tidak memperhitungkan standar kecantikan yang berbeda antara Korea Selatan dan Amerika. Jadi, apa masalahnya? K-Pop: Apakah itu sebenarnya buruk, atau apakah Anda hanya berprasangka?

K-pop

Apa Masalahnya dengan VMA?

VMA (Video Music Awards) yang diselenggarakan oleh MTV setiap tahun memberikan penghargaan kepada yang “terbaik” di media video musik. Menggunakan rubrik yang dirahasiakan. Mereka tidak pernah gagal membuat marah beberapa penggemar yang mungkin mengklaim bahwa favorit mereka dirampok, dan VMA 2019 juga demikian. Kali ini, beberapa pihak menyarankan agar ras seniman ikut bermain.

Kategori “K-Pop Terbaik” ditambahkan untuk tahun 2019, dan dengan itu muncul sejumlah tuduhan. Pertama, artis yang dinominasikan. Semua artis adalah grup pria atau wanita, dengan 4 hingga 21 anggota yang mengejutkan. Mereka memasukkan BLACKPINK dengan “Kill This Love,” BTS ft. Halsey dengan “Boy With Luv,” EXO dengan “Tempo,” Monsta X ft. French Montana dengan “WHO DO U LOVE ?,” NCT 127 dengan “Regular,” dan TOMORROW X TOGETHER (TXT) dengan “Cat & Dog”.

Dari 6 grup, hanya satu yang merupakan grup wanita. Girl group yang dimaksud, BLACKPINK, agak kontroversial, karena strategi pemasaran perusahaannya. Mereka juga dipandang rendah karena perusahaan mereka tampaknya menyukai salah satu dari empat anggota. Grup wanita lain seperti ITZY dan Twice akan menjadi pesaing yang layak karena penayangan mereka yang besar di YouTube. Video musik “FANCY” Twice meraih 42,1 juta penayangan dalam 24 jam pertama. Dan video musik debut ITZY, “DALLA DALLA”, berhasil mendapatkan 13,9 juta penayangan dalam 24 jam. Memecahkan rekor penayangan terbanyak pada video musik debut.

Artis Solo

Masalah lainnya adalah tidak ada artis solo yang disorot dalam nominasi. K-Pop memiliki sejumlah artis solo yang sangat berbakat. Seperti CL, seorang rapper wanita, dan Taemin, seorang penyanyi dan anggota dari grup pria terkenal SHINee. Yang baru-baru ini merilis EP-nya, “FAMOUS.”

Masalah kedua adalah lagu-lagu yang dipilih. Empat dari enam lagu (“Boy With Luv,” “WHO DO U LOVE?,” “Regular, Cat & Dog”). Semuanya berkolaborasi dengan artis Amerika atau dirilis dalam bahasa Inggris. “Kill This Love” yang berkesempatan tampil langsung di Coachella, menjadi berita utama nasional. Hanya Tempo EXO yang tidak menerima rilis bahasa Inggris atau iklan di Amerika. Sepertinya lagu-lagu tersebut dipilih untuk menarik penonton barat. Sesuatu yang tidak akan membantu grup mendapatkan dan mempertahankan penggemar. Karena suara mereka secara keseluruhan sangat berbeda dari pilihan kecil yang disiarkan.

Masalah ketiga adalah penambahan kategori itu sendiri. Beberapa orang berpendapat bahwa itu ditambahkan “terlambat 10 tahun,” sesuatu yang sangat jelas ketika melihat tanggal penambahan kategori Latin Terbaik. Kategori Latin ditambahkan pada 2010.

Masalah terakhir yang diangkat oleh penggemar adalah bahwa kategori K-Pop tampaknya telah ditambahkan. Untuk memisahkan artis Korea dari artis Barat/Amerika. Menurut Google genre didefinisikan sebagai “kategori komposisi artistik. Seperti dalam musik atau sastra, yang dicirikan oleh kesamaan dalam bentuk, gaya, atau materi pelajaran”. Genre musik termasuk Pop, Jazz, Rock, Hip hop, Folk, Blues, dll. Kategori Latin dan K-Pop, menurut definisi, bukan genre definitif. Mereka memisahkan artis berdasarkan ras. Tidak memperhitungkan genre apa sebenarnya lagu mereka atau bahasa apa lagu tersebut dirilis. Beberapa penggemar mengambil langkah ini terlalu jauh, dan mulai menuduh VMA sebagai rasis dan xenofobia. Atau (sebagai Google mendefinisikannya), “memiliki atau menunjukkan ketidaksukaan atau prasangka terhadap orang-orang dari negara lain”. Meskipun situasi dengan VMA sudah menjadi bencana. Penggemar di Twitter dengan cepat membuatnya menjadi masalah yang jauh lebih besar.

Standar Kecantikan: Amerika vs Korea Selatan

Penghinaan populer terhadap boy grup Korea adalah betapa feminimnya penampilan mereka. Tetapi ini karena standar kecantikan yang berbeda antara Amerika dan Korea Selatan. Standar kecantikan pria Amerika (Barat) menyukai otot besar, 8 pak, dan fisik yang dipahat secara keseluruhan. Hal-hal lain termasuk tinggi, lebih tinggi disukai, seramping mungkin, dan menjadi sangat berotot. Apa pun yang secara tradisional dapat dianggap “feminin” tidak ada dalam gambar. (Cat kuku, riasan tipis, masker wajah, warna merah muda, perhiasan tertentu, dll).

Standar kecantikan pria Korea Selatan, di sisi lain, sebanding dengan tren anak laki-laki yang lembut di TikTok. (Pikirkan tampilan “pacar” – sweater dan sweter besar, skinny jeans, rambut halus, dll). Faktanya, pria Korea Selatan yang ideal telah disebut sebagai “bocah cantik”. Tampilan androgini yang lebih muda dan lebih disukai. Bahkan beberapa memilih menjalani operasi plastik untuk mendapatkan kulit awet muda yang sempurna. Perawatan kulit dan riasan sama-sama dianggap netral gender, dan lensa kontak berwarna adalah produk kosmetik yang populer. Sangat mudah untuk melihat bagaimana beberapa orang dapat melihat ini sebagai feminim dan girly. Tetapi ini adalah standar di Korea Selatan.

Jadi, Apa Masalah Besarnya?

Xenophobia dan kesalahpahaman tentang standar kecantikan global hanyalah beberapa alasan orang membenci K-Pop. Alasan lain mungkin karena orang-orang lebih suka memahami lirik yang dinyanyikan, atau karena mereka tidak menemukan lagu yang disukai. Beberapa orang tidak ingin mendukung industri K-Pop karena itu berbeda.

Industri musik di Korea Selatan sangat kompetitif, dengan pelatihan trainee selama bertahun-tahun berharap dan akhirnya memiliki kesempatan untuk debut. Setelah mereka debut, para idola sering kali dipegang dengan standar yang tidak dapat dicapai dan menjalani diet ketat. Yang menyebabkan beberapa artis bahkan pingsan di atas panggung. Dapat dimengerti bahwa beberapa orang akan menentang ini, tetapi itu hanya salah satu aspek K-Pop.

Dalam sembilan tahun terakhir, 244 grup idola telah debut. BTS, EXO, GOT7, TWICE, Red Velvet, MONSTA X, BLACKPINK, dan daftarnya terus berlanjut, masing-masing grup dengan suara unik mereka sendiri. Beberapa grup, seperti grup Pop Rock Day6 dan The East Light, tampil dengan mengisi posisi masing-masing anggota. Seperti gitaris, bassist, keyboarder, drummer dan vokalis daripada hanya menari, menyanyi dan nge-rap. Sangat mudah untuk menemukan lagu yang sesuai dengan preferensi musik siapa pun. Dan yang diperlukan hanyalah lagu yang tepat untuk jatuh cinta pada suatu grup. Jadi lihatlah dan kali ini, hilangkan prasangkanya.

post

Titik Balik Industri Musik Jepang

Seperti yang sebelumnya diperkenalkan di blog kami, Jepang adalah pasar musik terbesar kedua di dunia. Artikel ini menyoroti potensi pengembangan bisnis pasar musiknya. Saat ini kancah musik Jepang sedang mencapai titik balik yang besar. Meskipun penjualan CD di Jepang secara bertahap menurun, mereka masih populer dan merupakan lebih dari 80% dari penjualan musik. Selain itu, sementara sebagian besar anak muda Jepang mendengarkan musik terbaru di YouTube. Layanan streaming musik seperti Line Music atau AWA sudah mulai berkembang satu demi satu. Industri musik Jepang diharuskan untuk memikirkan kembali dan mengubah model bisnisnya secara mendalam. Seperti yang dilakukan Amerika dan Eropa selama beberapa tahun terakhir.

Dalam waktu yang sangat menentukan, poin yang patut mendapat banyak perhatian. Ketika kita berbicara tentang bisnis musik Jepang adalah bahwa industri Jepang tidak hanya berfokus pada strategi domestik lagi. Sekarang secara aktif mencari untuk memperluas ke luar negeri.

Produser musik Jepang Norikazu Yamaguchi menunjukkan antusiasme tentang pembukaan Jepang menuju pasar internasional. “Poin penting adalah untuk mempertimbangkan bagaimana menjual J-POP di luar negeri. Sementara populasi Jepang menurun, pasar Jepang termasuk musik akan menyusut jika tidak ada yang dilakukan. Namun, seiring popularitas animasi Jepang dan meningkatnya jumlah penggemar J-POP di luar negeri. Kami tahu bahwa ada ruang untuk ekspansi di pasar musik.

Potensi Luar Negeri

Pertanyaannya adalah, bagaimana caranya? Yamaguchi juga mendekati masalah promosi di luar negeri. Dalam pandangannya, ada dua poros utama strategi untuk menjual musik Jepang di luar negeri. Satu adalah jaringan Otaku-budaya (istilah Jepang untuk orang-orang dengan minat obsesif seperti anime, idola atau game). Kemudian yang lainnya adalah jaringan genre musik niche. Hal pertama berasal dari adegan “Cool Japan”. Menargetkan penggemar J-POP yang mencintai budaya “culun” Jepang yang diwakili oleh anime atau cosplay. Lalu terakhir ini bertujuan untuk menjangkau orang-orang yang suka genre ceruk seperti musik heavy metal. Hard rock atau dance, yang awalnya populer di jaringan internasional.

Selama tahun 1990-an dan 2.000-an, Visual Kei (gerakan di antara musisi Jepang yang ditandai dengan tata rias yang rumit. Gaya rambut, dan pakaian flamboyan) mengalami booming di beberapa negara Eropa. Yamaguchi menyimpulkan bahwa alasan mengapa tren Visual Kei menjadi begitu populer. Diantaranya adalah karena ia berhasil menggabungkan budaya J-POP dan genre niche.

Menyadari potensi ekonomi budaya “Cool Japan” sebagai ekspor, pemerintah Jepang telah mulai dengan kuat memperjuangkannya di luar negeri. Memang, Kementerian Ekonomi Jepang bersama dengan Kementerian Dalam Negeri dan Komunikasi Jepang membentuk program yang disebut “J-LOP”. Pemerintah mendukung pelokalan dan promosi konten media Jepang. Selain dukungan pemerintah, MTV Networks Jepang ikut serta dengan peluncuran “MTV 81”, sebuah platform media berbahasa Inggris. Hal ini bertujuan untuk membuat lebih banyak seniman Jepang terpapar di luar negeri (lihat di www.mtv81.com).

Dari sudut pandang promosi bisnis yang sebenarnya, sementara lagu-lagu anime Jepang. Beberapa grup idola telah memiliki beberapa popularitas di luar negeri. Produser musik Jepang memperkirakan bahwa masih ada ruang untuk perbaikan dalam mempromosikan J-POP, J-ROCK atau genre populer lainnya. Seperti Enka dan Kayoukyoku dengan tujuan ini, mereka mendirikan J-Music LAB. Sebuah acara promosi yang menciptakan lingkungan bagi musisi Jepang untuk memperluas aktivitas mereka di luar negeri dengan lebih mudah. Melalui berpartisipasi dalam pembuatan boom musik Jepang.

Jalan Bagi Musik Jepang

Ketua pemasaran internasional J-Music LAB. Hirofumi Shigemura merupakan wakil ketua Asosiasi Industri Rekaman Jepang dan wakil direktur King Records. Menganggap bahwa promosi di luar negeri adalah subjek yang penting untuk industri musik Jepang. Dia menyatakan dalam sebuah wawancara: “Saat Olimpiade Tokyo dan Paralimpiade 2020 mendekat. Ini adalah kesempatan emas bagi Jepang untuk menarik diri. Dalam masyarakat global seperti itu.  Bahasa Jepang secara bertahap menyebar di kalangan generasi muda melalui anime. Perasaan saya adalah bahwa semakin mudah untuk mempromosikan Jepang di luar negeri. Namun, karena layanan streaming digital lebih maju di luar negeri daripada di Jepang. Saya benar-benar ingin mendorong promosi musik Jepang. Dengan mendapatkan izin dan pengertian dari artis, produksi dan pemegang hak musik Jepang.”

Namun, meskipun dengan berbagai upaya. Musik Jepang masih diharapkan memiliki jalan panjang sebelum secara konkret mencapai tujuannya. Sampai hari ini, strategi “Cool Japan” hanya berhasil mengekspor industri game Jepang. Ini mewakili lebih dari 90% dari semua konten Jepang yang diekspor pada tahun 2013. Semua konten lainnya, terutama musik perlu fokus pada penciptaan spesifik sistem penjualan di luar negeri. Berdasarkan pada pemahaman nyata tentang ruang lingkup dan keterbatasan gelombang “Cool Japan”.

Usaha Para Rumah Produksi

Artis Jepang, perusahaan produksi dan pemegang hak musik. Tidak memiliki sistem promosi luar negeri yang kuat yang siap untuk digunakan. Selain itu, berisiko bagi artis Jepang terkenal untuk meninggalkan pasar Jepang. Mereka mempromosikan diri mereka di luar negeri, mengingat kenyataan bahwa popularitas mereka bergantung pada kekuatan dan skala pasar Jepang. Bahkan “Avex”, salah satu label terbesar dan paling sukses di Jepang. Mereka telah mengalami kesulitan dengan promosi di luar negeri.

Industri musik Jepang sedang menunggu kesempatan untuk berekspansi ke luar negeri, sekarang juga! Menanggapi ambisi ini, beberapa perusahaan internasional secara aktif mencari peluang bisnis di Jepang. Seperti perusahaan distribusi digital yang berbasis di London “CI” mendorong musik Jepang untuk didistribusikan ke luar negeri. Sebenarnya masih banyak peluang bisnis lainnya hanya menunggu untuk ditemukan. Bagaimana perusahaan Amerika atau Eropa menanggapi ambisi ekspansi Jepang dan menghadapi tantangannya? Itu topik hangat yang perlu diikuti dengan cermat.